ZAPPA EN MÉXICO

ZAPPA EN MÉXICO
por vladimir

Mi experiencia de haber presenciado la musica del genio, de mi maxima influencia como musico y persona Frank Zappa, me refiero al interesante proyecto de su hijo Dweezil Zappa Plays Zappa
Era jueves, recuerdo que tenia que ir al trabajo, estaba impaciente para que llegara ese concierto, lo habia esperado tanto tiempo que simplemente pensaba que no iba a ser posible JAMAS!, pero de repente sucedio, zappa plays zappa venia a mexico y yo me hacia del baño en los calzones; ese mismo jueves fui a comprar mi boleto y para mi sorpresa solo contaba con 550 pesos que era lo que costaba la localidad mas barata, pero no importaba iba a ver al hijo del legendario genio, irreverente y mil adjetivos mas FRANK ZAPPA, interpretando la musica de este, en fin llegue a la taquilla y para empezar el wey que atendia ni siquiera sabia quien era y mucho menos como escribirlo asi que tarde como 10 minutos en lo que buscaba el evento,para acabarla de chingar me dice que ya no hay boletos de esa localidad!!! en ese momento senti que mi vida se hbaia ido por el caño y me las vi negras, me fui triste a mi casa, pero dije "nimadres tengo que ir a ese concierto" asi que le hable a mi madre, y le conte lo sucedido, despues le hable a mi abuela que me prestara dinero y finalmente me los presto, ya estaba todo listo; tenia el dinero incluso para una localidad mas cara, brincaba de emocion.

En el trabajo contaba los segndos para q saliera e irme directo al teatro de la ciudad, se me hizo eterna la espera, pero bueno me dirigia al lugary no pudia contener mi felicidad, tenia una gran sonrisa y no podia dejar de sonreir, me dolia la cara!!!!!!!

eran las 5:30 y el acceso era hasta las 7:00, fui a comer unos tacos muy buenoos por cierto, luego camineeee y camineee de un lado a otro impaciente escuchando parte del soundcheck que en ese momento estaban tocando "Eat That Question" y dije "nomames esto va a ser de otro mundo, una interpretacion perfecta por parte de todos los musicos, ya no podia esperar mas!""; como se imaginaran fui el primero en llegar el lugar, la gente se me quedaba viendo de manera extraña pues estaba hablando solo y tan impaciente, tan feliz que me valia madres todo lo demas.

A eso de las 6, empezaron a llegar algunas personas mas, sin duda seguidores fieles de la musica de frank zappa y porque no de su persona e idiologia, asi se fue alargando la fila y llegaban mas y mas seguidores de ese genio bigoton; por fin!! la espera termino!!!!! se abrieron las puertas y sali en chinga a buscar mi lugar, para empezar me impresiono bastante el lugar, es un teatro verdaderamente hermoso.

no compre de la localidad mas cara porque ya no habia boletos, pero bueno me toco un lugar bastante agradable y cómodo, en realidad me fui a la zona de los palcos; ni siquiera me tocaba ahi pero puta se veia geniaal todo perfecto y decidi quedarme ahi, ya que si despues llegaba alguien y me decia del lugar me iria, pero bueno para mi suerte solo llegaron 2 personas a ese lugar y estaba tan emocionadoo que ahhh no puedo describir todas esas emociones. En el escenario ya estaba todo montado listo para que salieron esos musicos de primer nivel y empezar la orgia musical con la musica de mi maxima influencia para mi!!! el señor Frank zappa, banda liderada por su hijo Dweezil Zappa; a lo lejos en la parte lateral izquierda del escenario vi la silueta de la hermosa Scheila Gonzalez y empece a gritar como loco su nombreee, despues salio a sentarse Joe Travers, The Vaultmeister Himself!!!, era una locuraa lo veia y no lo podia creer, se anuncia la tercera llamada y empiezo a gritar como loco euforico, empezaba el orgasmo sonico!!! y escucho esas disonancias tan excitantes de Purple Lagoon,que buena rola para comenzar se escuchaba muy muy muyyyyyy bieeeeeen claro el sonido y la visibilidad que tenia pff veia a todos perfectamente sin dar pausa alguna comenzaba ahora Stinkfoot, y despues Inca Roads;pfff INCA ROADS!!! una cancion tan satirica y comica pero a la ves tan llegadora, almenos para mi mas en ese solo que tanto me recuerdo a Frank asi que no puedo contener algunas lagrimas pero en fin; despues siguieron canciones como City Of Tyni Lights, Keep It Greasy, Daddy Daddy Daddy, y finalmente algo que jamas imagine que tocarian porque de hecho hasta lo que se frank nunca interpreto esta cancion en vivo; BLESSED RELIEF; nomaaameees que canciooooon de mis favoritas del bigoton, excelente interpretacion y en ese momento me enamore perdidamente de Scheila Gonzalez...que mujer!!!!!!!, que musico!!!! multiinstrumentista, y ese carisma que tiene woao es verdaderamente seductor, la noche siguio con temas como Apostrophe, Eat That Question, Florentine Pogen, Latex Solar beef, entre otras, (perdonen( no recuerdo al 100 por ciento el orden del set list en fin) llego la parte del Encore y para finalizar el dia mas feliz de mi vida hasta el momento fue Dont Eat The Yellow Snow para seguir sin pausas con Peaches en Regalia pffffff otra gran cancion y finalmente Cosmik Debris.

Asi termine mi odisea , sin duda el mejor espectaculo musical que he visto, todos los musicos se dieron el tiempo y la molestia de firmar autografos y tomarse fotos, pero fue la maldita policia de mierda que no me dejo entrar a la planta baja del teatro para que me firmaran mi poster y boleto, y claro aprovechar para fotografiarme con esos musicasoos, malditos los odiooo pero bueno me la pase de huevos aunque no tuve la oportunidad de conocer a dweezil junto a la demas banda que enseguida mencionare en las percusiones Billy Hulting, bateria Joe travers, guitarra Jamie Kime, Saxofon, Flauta, teclados y voz Scheila Gonzalez, teclados Crhis Norton y primera voz en Inca Roads y City Of Tiny Lights, en el bajo Pete Griffin, voz principal Bob Thomas y finalmente en la guitarra principal el primogenito del bigoton, el señor DWEEZIL ZAPPA!...


VIVA ZAPPA!!!!!...
MUSIC IS THE BEST.
Frank Zappa

BIGOTES

Make a Jazz Noise Here

Make a Jazz Noise Here
Felicitaciones por tu trabajo en Rasgadodeboca, que no conocía pero al que me he aficionado. Te dejo un artículo sobre "Make a jazz noise here" que salió hoy, que espero sea de tu agrado así como de todos los zappa-maníacos...
Un abrazo,
Federico Fernández Giordano

Para los que aún no estén familiarizados con el excéntrico compositor californiano Frank Vincent Zappa (1940-1993), Make a jazz noise here es sin duda una carta de presentación que acredita sobradamente la capacidad que tenía este portentoso músico para reciclar, renovar, transformar y refinar cada uno de los cánones y clichés que rodean a la música del siglo XX. Esta obra, grabada en vivo durante la última gira de Zappa en 1988, viene a ser el culmen de la larga serie de prodigiosos directos que el bigotudo nos dejó a lo largo de su carrera, arropado en esta ocasión, y como era habitual en él, por una de las mejores bandas que jamás se han visto sobre un escenario.
A lo largo de su titánica discografía (en el momento de morir contaba 62 discos en su haber), Zappa colaboró con la friolera de medio millar de músicos, entre los que se cuentan la London Symphony Orchestra, la Ensemble Modern de Frankfurt, o personajes de la talla de Shelly Manne, George Duke, Jean-Luc Ponty, Terry Bozzio, Adrian Belew, el capitán Beefheart, Steve Vai... En el disco que nos ocupa, lo acompañaba la última “big band” rockera de Zappa (la con justicia llamada “The best band you never heard in your life”), antes de que el genio se sumiera en sus postreros proyectos para orquesta sinfónica propiamente dicha.

Es precisamente en sus directos donde Zappa plantea un panorama musical que, para quienes comprenden los rigores de la orquestación, representa un fenómeno sin parangón y muy difícil de igualar. Tras estudiar a fondo cada una de sus obras en directo, se concibe la extraña impresión de estar escuchando una fantasía musical, una broma pesada de la razón, y uno casi ha de “frotarse las orejas” para cerciorarse de que no está soñando. Se comprenden entonces los motivos que pudo tener Zappa para titular la serie de 6 discos dobles atiborrados de música en vivo llamada You can’t do that on stage anymore (algo así como: “No puedes hacer eso sobre un escenario”). Y por cierto que ni el mismo Zappa podía o quería hacerlo, pues raramente ejecutaba una pieza de forma idéntica; por el contrario, cumplía al pie de la letra una de las formas que caracterizan a la música moderna: la variación.

DISCO 1:
Tras anunciarnos que Jimmy Swaggart (telepredicador fundamentalista-cristiano famoso en EEUU) está “bajo investigación” por ciertos asuntos pornográficos, el concierto arranca con el mítico tema “Stinkfoot”, con un bluesy Mike Keneally a la guitarra y un solo limpio a cargo del maestro, que nos recuerda el sonido translúcido de la grabación original. Le siguen las típicas bromas de Zappa (en esta ocasión, sobre las protestas de un fan al parecer molesto por una fallida interpretación de Ed Mann al vibráfono), y el concierto entra en su recta inicial con una suite compuesta de dos cortes inéditos: “When yuppies go to hell” y “Fire and chains”, toda una experimentación de atmósferas y fragmentos aparentemente inconexos durante casi 20 minutos de duración, incluyendo cáusticas secciones de viento, percusiones enajenadas, efectos sonoros, solos de trompeta y batería, sonoridades jazzísticas, líneas de bajo desenfrenadas, y hasta un inquietante fragmento de orquesta sinfónica a cargo del Synclavier (invento tecnológico semejante a un sampler y con el que Zappa superponía líneas previamente grabadas en estudio). Todo ello en una atmósfera paradójica, por cuanto que oscura a la vez que desenfadada, a medida que el tema parece desintegrarse ante nuestros oídos. Un amigo me dijo que “When yuppies go to hell” se parece a una visita actualizada al Infierno de Dante… Y con razón. La polifacética voz de Bobby Martin nos introduce en un club de jazz de pesadilla antes de dar paso al primero de los muchos solos de guitarra zappianos “par excelence” que este disco contiene: distorsión, técnica diabólica y enjundia a raudales. Pero este desasosegante principio no debe desalentarles; la banda sólo está calentando instrumentos… La suite que componen “Let’s make the water turn black”, “Harry, you’re a beast” y “The Orange County lumber truck”, dominada por una férrea sección de vientos, es una de las más joviales y desenfadadas de Zappa. A continuación, el cantante Ike Willis parece hacerse cargo del sentir general del auditorio con el corte “Oh no (I don’t believe it)”, ornado de espléndido solo con delay y una rítmica capaz de cortarte el aliento. No pierdan de vista la labor del batería Chad Wackerman, de los mejores que han pasado por la banda de Zappa, lo cual es mucho decir. “Theme from lumpy gravy”, una de las viejas, cierra esta primera parte con una lírica deliberadamente frívola, antes de reanudar con el grandioso y épico “Eat that question”, sacado del álbum orquestal The grand Wazoo, que es tal vez uno de los mejores y menos conocidos del Zappa de los 70.
La versión de “Black napkins”, un clásico que Zappa incluía en casi todos los conciertos, vuelve a aludir al título del disco con su sofisticada aproximación a los terrenos del jazz. El sinfónico “Big swifty” se interrumpe y resquebraja con las ya habituales digresiones; más fragmentos de jazz entre divertidos alaridos de la banda en emulación a los viejos jazzmen; sin previo aviso se arrancan con el Lohengrin de Wagner, cortado y pegado con un fragmento de Carmen de Bizet y otro de Overtura de 1812 de Tchaikovski, continuas referencias y autorreferencias, más solos… En fin: una banda divinamente loca dando lo mejor de sí. Una intro a lo reggeae da paso a la luminosa melodía de “King Kong”, en esta ocasión provisto de solos de viento, samplers, atmósferas de delirio, funk, y un cáustico monólogo del trombonista Bruce Fowler que termina perdiendo los estribos… Gamberrismo musical en estado puro. El disco 1 acaba con un extraño corte llamado “Star wars won’t work”, presuntamente una improvisación, con un solo de guitarra que al principio parece blusero pero que obviamente Zappa acaba conduciendo a su terreno.

DISCO 2:
A pesar del aviso del disco, “All selections segue”, no me queda claro si el disco 2 es continuo al primero o bien es el inicio de un nuevo concierto, pero esta versión de “The black page” es una de mis favoritas. Espléndida orquestación sinfónica con la banda trabajando al completo; una misteriosa línea de bajo a cargo de Scott Thunes; y un solo de guitarra de los que sientan cátedra. Con “T’mershi duween” la fantasía zappiana alcanza cotas importantes, antes de precipitarnos en “Dupree’s paradise”, otro tema sinfónico que súbitamente se convierte en una amalgama de ritmos y coloraciones diversas. Chad Wackerman y Scott Thunes llegan en este tema a una especie de limbo. De nuevo Zappa maquina con su Synclavier, que parece poseído por el demonio, y más jazz (por algo el título del disco, digo yo), solos de viento, etc… Una fragmentación musical que contrasta con la solidez de melodías rotundas y lúcidas. Y así llegamos a uno de los clásicos rockeros del repertorio, “City of tiny lights”, en esta ocasión ornado de vientos de película de gángsters, y que Bobby Martin interpreta con su característico y poderoso timbre de bluesman blanco. A continuación, la versión editada por Rykodisc incluye dos cortes que la edición de Zappa Records en Europa no traía: una versión circense de “L’histoire du soldat” de Stravinski, y otra, por contra más lírica, del Concierto para piano nº 3 de Bartok. Tras esto, el dinámico “Sinister footwear 2nd mvt” (con hilarante título además…), tema complejo, con un intermedio pesado e intrincados arreglos de viento, cediendo finalmente al festivo y heavy metal “Stevie’s spanking”, tema que proviene de una curiosa anécdota acerca de Steve Vai, y que el propio Zappa explica en The real Frank Zappa book, pgs. 213, 216:
“En 1981, durante una de las primeras giras con Steve Vai, tocábamos en la Universidad de Notre Dam y Laurel Fishman se pasó por allí. Por un giro del destino, Steve acabó en su habitación del motel con Laurel. Se dedicaron a una serie de prácticas que incluían un cepillo para el pelo, y a Steve babeando sobre su propia polla mientras ella se la cascaba. (Obtuve el catálogo completo de eventos a la mañana siguiente durante el Informe del Desayuno.)
Tras esto, otra de mis favoritas instrumentales, “Alien orifice”, de remarcable melodía, ritmo y orquestación complicada. Ya estamos en la recta final del concierto: una versión impecable del viejo “Cruisin’ for burguers” (mucho ojo a lo que hace el batería durante el solo de guitarra… --aunque esto también vale para el resto del concierto, ¿verdad?...), y el no menos clásico blues de casi todos los sets de Zappa desde su aparición en Bongo’s fury (1975): “Advance romance”. De nuevo Bobby Martin se hace cargo de la voz cantante, tomándole el relevo muy dignamente a los brillantes Ray White y Napoleon Murphy Brock de formaciones anteriores. Y el concierto concluye con una interpretación, a mi parecer un pelín contenida y menos espectacular que la de You can’t do that on stage anymore vol. 6, de “Strictly genteel”, tema elegante, profundamente lírico y sinfónico. Para acabar de ponerle broche a esta orgía musical de más de dos horas, Zappa hace las presentaciones de la banda mientras ésta le homenajea con el coro de “With a little help from my friends” de los Beatles, versión Woodstock de Joe Cocker... Toda una finta en la finta.

El fenómeno de fantasía musical al que hacía referencia al principio de este artículo podría definirse como una inconcebible “improvisación sinfónica”, o lo que Ramón García Albertos, en la suculenta página dedicada a Zappa que lleva a su cargo desde 1997, www.el3erpoder.com, denomina como “composición al instante”. Es sumamente curioso, así como raro, escuchar una ejecución en vivo tan compleja como la de esta banda, en la que al mismo tiempo se hallan elementos propios de la improvisación y la partitura, lo que podría constituir el mayor logro musical de Zappa: la concepción de una música flexible dentro de su integración en líneas racionales de composición. Éste es un rasgo característico de Zappa desde entrada su madurez como compositor, allá por 1973, y que lo llevó a desmarcarse de las tendencias psicodélicas, punk, minimalistas o deconstructivas que se pondrían de moda. La insistencia de Zappa puesta en la técnica, en la construcción de un discurso positivo, para a continuación refutarlo autoparodiándose en sediciosos parafraseos, en cataclísmicos arrebatos de exuberancia musical… todo esto sitúa a Zappa en un campo que busca una modificación musical desde dentro de la música, sin negarla, sin desnaturalizarla ni anularla. Por eso Zappa, por usar la famosa combinación de conceptos acuñados por Umberto Eco, es una perfecta muestra de artista apocalíptico-integrado, un anfibio que se sirve de las reglas de juego tradicionales para lograr un discurso en absoluto tradicional.

Como ocurre con la música de Edgard Varèse, a quien Zappa admiraba por encima de ningún otro, el aparente caos y desintegración de sus composiciones encierra en verdad una calculada estructura organizativa. No es casual que Zappa lograse transitar de la hilaridad a la seriedad máxima en una misma suite, combinando bosquejos de irreverencia con cortes que destilan la belleza y cohesión de los maestros clásicos. Asimismo, Zappa no se limita a una mera fusión o mixtura de estilos; él y sus músicos se apoderan de cada fragmento, sean propios o ajenos, para remozarlos en un discurso por completo innovador. Tanto es así, que más de uno se llevará las manos a la cabeza cuando escuche esta fantasía musical cuyo fin no es otro que la libertad creativa en su máxima expresión.

DISCO 1
1. Stinkfoot
2. When yuppies go to hell
3. Fire and chains
4. Let’s make the water turn black
5. Harry, you’re a beast
6. The Orange County lumber truck
7. Oh no
8. Theme from lumpy gravy
9. Eat that question
10. Black napkins
11. Big swifty
12. King Kong
13. Stars wars won’t work

DISCO 2
1. The black page (new age version)
2. T’mershi duween
3. Dupree’s paradise
4. City of tiny lites
5. Royal march from L’histoire du soldat
6. Theme from the Bartok piano concerto nº3
7. Sinister footwear (2nd mvt)
8. Stevie’s spanking
9. Alien orifice
10. Cruisin’ for burguers
11. Advance romance
12. Strictly genteel


Frank Zappa: guitarra solista, sintetizador, voz
Ike Willis: guitarra rítmica, sintetizador, voz
Mike Keneally: guitarra rítmica, sintetizador, voz
Bobby Martin: teclados, voz
Ed Mann: vibráfono, marimba, percusión electrónica
Walt Fowler: trompeta, flugelhorn, sintetizador
Bruce Fowler: trombón
Paul Carman: saxo alto, saxo soprano, saxo barítono
Albert Wing: saxo tenor
Kurt McGettrick: saxo barítono, clarinete bajo
Scott Thunes: bajo, mini-moog
Chad Wackerman: batería, percusión electrónica

Frank Zappa: Un Quijote Ausente {1940-1993}

Frank Zappa: Un Quijote Ausente {1940-1993}
por Sergio Monsalvo

Su muerte ocurrió en un momento inoportuno. Aunque durante los últimos años de su vida se apartó de la escena y se dedicó más a sus intereses de la composición, FZ aparecerá en la historia como un hombre que nadó contra todas las corrientes. La falta de escuchas calificados indujo a este freak, en un momento de franqueza a señalar su carrera como "un desastre total".

Frank debió todas las etiquetas que le fueron adjudicadas -satirico, crítico social, - iconoclasta- a sus textos, pero las palabras para él eran adornos mucho menos importantes que la sustancia musical. De algo hay que cantar, pensaba. No le interesaban el corazón y sus lamentos. ¿Por qué no colocar un espejo ante la sociedad y salpicarle un poco de sarcasmo.

Una Amplia Gama Musical:

Los textos eran un asunto secundario para él. Desde 1965, en sus inicios idealistas, intentó enviar mensajes cifrados a todos los que compartieran sus gustos singulares. El descubrimiento de que casi nadie estaba sintonizado con él le confirmó su sentido del aislamiento y procuró disfrutar de ese estado lo mejor posible.

A fin de seguir su evolución hay que conocer no sólo a los grupos vocales de doo-wop de los 50, el blues y rhythm and blues de músicos como Johnny "Guitar" Watson, Guitar Slim, Howlin´ Wolf y otros muchos, las big bands del jazz (sobre todo Duke Ellington y Count Basie), los antecesores del free (Roland Kirk, Archie Shepp), así como a diversos exponentes de la world music (a Frank le fascinaba la búlgara, los tradicionalistas irlandeses, The Chieftains, así como el canto mongol de tonos concomitantes), sino también a un amplísimo repertorio de música extraída del cine y la TV (la gama abarcaba desde el tema de "Bonanza" hasta los soundtracks compuestos por Nino Rota para Fellini).

Sin embargo, reviste una importancia mayor el sin número de sus referencias a la música "clásica" del siglo XX. El estudioso serio de la música de Zappa debe tener por lo menos nociones de la obra de (respiren hondo) Edgar Varèse, Igor Stravinsky, Charles Yves, Arnold Schönberg, Anton Webern, John Cage, Pierre Boulez, György Ligeti, Krzysztof Penderecki y Tatu Takemitsu, por mencionar algunos.

Como ejemplo están canciones como "Brown Shoes Don´t Make It" (Absolutely Free, 1967), en la cual se escucha al fondo un cuarteto de cuerdas dodecafónico del más estricto academicismo (como tributo a Schoenberg y Webern) y al final de la misma pieza un collage de canciones en las cuales se canta a la gloriosa nación estadounidense (Charles Ives).
Dichas insuinaciones son adaptadas a la canción, la cual se reduce, para todos los que se concentran solo en las letras, a un ataque cínico contra la moral de los usuarios de zapatos conservadores. A Zappa le encantaban estos juegos.

Lo absurdo de su posición era que los escuchas y críticos "clásicos" quienes quizás hubieran podido entender sus bromas musicales, rechazaban el volumen rocanrolero y el humor crudo, mientras que el público roquero no tenía la menor idea de la complejidad musical de sus obras, además de que la ingenuidad de este último lo llevaba, en muchas ocasiones, a tomar en serio los textos. Un gran porcentaje de sus fans coincidían exactamente con el tipo del que Zappa se burlaba en piezas como "Titties´n´Beer".

No obstante, entre más ridiculizaba Zappa la relajada actitud del "¡Quiero divertirme!" de su público, éste más lo celebraba. Y no se puede negar que el apoyo directo de estas personas, aunado a una capacidad increíble de trabajo, fue lo que permitió al músico una independencia inalcanzable para cualquier otro compositor de vanguardia: 60 álbumes en 25 años (si se cuenta "Beat The Boots", la serie 'oficialmente autorizada' de grabaciones piratas, el número aumenta a 76), años de experimentos radicales en su estudio casero -el 'Utility Muffin Research Kitchen' , equipado con todas las innovaciones tecnológicas-, edición de discos bajo su propio sello (Barking Pumpkin), venta de souvenirs por medio de su propia compañía de fabricación y distribución (Barfko-Swill) y cubrir el mercado de video (Honker Home
Videos). Hasta donde es posible apreciar, no parece haber habido un momento en que Zappa no hiciera lo que quería y ganara mucho dinero con ello.

Un Entretenedor Estadounidense:

El fracaso del que él mismo hablaba era el hecho de que "casi nadie" captara los matices finos de su trabajo. No obstante, hacia el final de su carrera la situación empezó a cambiar, cuando las interpretaciones de su obra presentadas primero por Pierre Boulez y luego por el Ensamble Modern arrojaron nueva luz sobre ella. Siguieron trabajos de composición para renombrados grupos de cámara, desde el Kronos Quartet hasta el Aspein Wind Quintet. Sin embargo, Zappa criticaba a la comunidad "clásica" en la misma forma despiadada que al mundo del Rock. Aborrecía la distinción arrogante establecida entre la cultura seria y la de entretenimiento y, a pesar de sus prioridades insistía en no ser artista sino "sólo" entertainer. "Nunca tuve la intención de dedicarme al Rock. Siempre quise componer música más sustanciosa, que se interpretara en salas de concierto, pero también sabía que nadie estaría dispuesto a tocarla. Por eso pensé que la única forma de dar a conocer algo mío sería formando un grupo y tocando Rock". Ese era su plan a largo plazo: una carrera como compositor disfrazado de roquero.

Los ahora legendarios MOI (originalmente llamados Mothers, que en el lenguaje del jazz es la abreviación de motherfuckers, es decir, músicos que le tupen en serio) derivaron de un grupo llamado Soul Giants, al que Zappa se unió en 1964. Al principio era un integrante secundario, pero no tardo en
ejercer el control sobre la agrupación, por ser el único que componía su material. Sin embargo, dicho material convirtió al grupo en una empresa kamikaze. El estreno en vivo de cada canción solía provocar de inmediato la prohibición de volver a aparecer en el lugar correspondiente.

También la escena freak de Los Angeles, en la cual Zappa y sus compañeros irrumpieron poco tiempo después, les exigió 18 meses de penurias tradicionales (bolsillos y estómagos vacíos) antes de firmar su primer contrato con MGM, quien les asignó a Tom Wilson como el productor del disco "Freak Out". Las grabaciones realizadas durante esa época demuestran que la formación fue en muchos sentidos la más creativa encabezada por Zappa. El grupo del periodo de Uncle Meat constituyó una mezcla fascinante de
autodidactas y músicos con antecedentes clásicos. sabían fundir sin ningún problema la dureza del Rock con ritmos complejos. Los saxofonistas Ian Underwood y Bunk Gardner, así como el tecladista Don Preston eran solistas excelentes. Ninguno de los conjuntos formados a la postre por él poseyó tanto potencial y espacio para las excursiones solistas e improvisaciones como los tempranos Mothers.

Con todo, el propio Zappa definía el concepto del grupo,. Tenía un don natural para causar disturbios y su trabajo singular recibía mucha publicidad. Entre los primeros éxitos figuróun contrato de 6 meses con el Garrick Theater de Nueva York, dónde el grupo presentaba su "show de monstruosidades". La predilección de Zappa por lo teatral se desarrolló en pleno durante ese tiempo.

En la actualidad es difícil apreciar el alboroto causado por el álbum "We´re Only In It For The Money" de 1967. En el momento culminante del movimiento hippie, una de sus figuras de culto se atrevió a burlarse de los ideales de toda una generación. El título era un golpe bajo contra los manifiestos de sus contemporáneos sobre la paz y el amor. La portada, una maliciosa parodia de "Sgt. Pepper". Los textos, una ironía despiadada hacia los Flower Children: Zappa pretendía apartarse de la manada. Hoy día sabemos cuán acertado fue su escepticismo.

El fin de los Mothers originales llegó cuando el empresario George Wein mandó al conjunto de gira. Hasta ese momento, Frank había pagado un salario fijo a sus músicos, sin importar si hubiera trabajado o no. De ahí en adelante sus grupos se armarían en principio con "trabajadores de temporada", reunidos solo para algún proyecto de grabación o una gira. Desde luego era un sistema más económico, pero la música perdió algo de esa indefinible calidad "orgánica"´sólo encontrada en las agrupaciones que durante mucho tiempo trabajan por un objetivo común.

..."El problema no es que me entiendan, sino que la gente no tiene la menor
idea de que es lo que hago"... <>.

Lo Que El Jefe Quería:

Lo que Zappa pretendía a partir de ese momento era el control absoluto.
Se tocaba la música como él se la imaginaba o nada. Asumió el papel del director en el escenario. No quería promover la realización personal de sus "empleados" (porque eso eran). También impuso un duro régimen tras bambalinas. Despedía en el acto a los músicos que encontraba drogándose. Con el tiempo los grupos con los cuales salía de gira empezaron a componerse cada vez más de músicos caracterizados por una disciplina admirable. Buenos técnicos, muchas veces graduados de la escuela de jazz de Berklee, sabían reproducir todo lo que Frank ponía frente a ellos en sus partituras. Y eso era exactamente lo que el jefe quería. Zappa componía piezas "hechas a la medida" para destacar las virtudes peculiares de cada músico.

Entre los personajes más interesantes que figuraron en su grupo en las décadas de 1970 y 1980 estaban los guitarristas Steve Vai y Adrian Belew, los bateristas Terry Bozzio, Aynsley Dunbar, Vinnie Colaiutta, Chad Wackerman; el bajista Jeff Berlin, el tecladista George Duke, el violinista Jean-Luc Ponty y la vibrafonista Ruth Underwood.
http://www.youtube.com/watch?v=8U9Lqki7Y9k

Respaldado por un grupo muy profesional y organizado, Zappa pudo permitirse mayores libertades como guitarrista. Pronto no eran ya raros sus solos de 10 minutos. Los álbumes en Vivo "Shut Up ´n´ Play Yer Guitar" y "Guitar" demuestran que dichos solos o "esculturas de luz" como él las llamaba nunca caían en regodeos vacíos.

Desarrolló un lenguaje muy personal en la guitarra. Según Steve Vai: .."al colaborar con Zappa yo servía de herramienta al compositor. Mi tarea consistía en tocar ciertas cosas complejas que él deseaba oír. Pero lo que más disfruté fueron los momentos que podía pararme ahí y escucharlo nada más. En su ejecución siempre se encontraba continuidad y evolución. Sus pasajes tenían muchas aristas"...

Por otro lado, el sentido de humor de Zappa siempre molestó a los puristas. Con trabajos digirieron el tono surrealista y absurdo, pero en su mayor parte inofensivo, de los primeros álbumes de los Mothers. Desde 1970 dicho tono se volvió más mordaz. En una época en que el movimiento de liberación femenina estaba tomando fuerza, Frank se rió de él en sus textos. Las críticas desde luego le importaban un comino. "Es fácil odiarme. Mi insensibilidad no se detiene prácticamente ante nada", confesó.

Zappa no temió siquiera clavarse de cabeza en el campo minado de los estereotipos étnicos. La canción "Jewis Princess" provocó protestas publicas por parte de la liga B' nai B'rith, la cual lo acusó de representar tendencias antisemitas. Frank no los tomó en serio y dio inicio a una campaña contraria en defensa de su derecho de libertad de expresión, además de continuar su serie de retratos de mujeres "típícas" con ataques no menos despiadados contra las "Catholic Girls" y la "Valley Girl" de California.
Otros blancos predilectos fueron los evangelistas de la T.V., los censores, los cientólogos, los amantes de la música disco, los camioneros, los nostálgicos de los 60, los apóstoles de la salud y desde luego los políticos de cualquier tendencia, sobre todo los republicanos.

En 1979, Zappa afirmó que jamás había podido identificarse con un movimiento social o político. Se negaba a participar en las elecciones únicamente para impedir que tomara el poder el peor candidato.
En los 80 cambió de opinión, promovió el registro electoral, hizo publico su parecer con respecto a cuestiones ecológicas y era el más elocuente entre los músicos de Rock que se manifestaron de forma abierta contra la censora Tipper Gore y su comité de "Esposas de Washington".

¡Claro qué escucho mi propia música en casa!. ¿Que voy a hacer?. ¿Escuchar a
Bob Dylan?.
<>.

Con Nosotros O Con Zappa:

Después de abandonar por completo las giras en 1988, harto de los gastos que le ocasionaban cada concierto, Zappa invirtió más tiempo en la política y los negocios. Entabló relaciones comerciales con Europa del Este. Durante un viaje a Praga, hizo amistad con Vaclav Abel, quien resultó ser un fan de los
Mothers originales. Cuando el presidente checo lo nombró embajador extraordinario de Comercio, Cultura y Turismo de la republica Checa, casi ocasiona un escándalo a nivel internacional. La Secretaría de Relaciones Exteriores de los USA puso un ultimátum: "Escojan: tratan con nosotros o con Zappa".

Frank, a quien le molestaba mucho que siempre lo sacaran de la jugada, pasó a la ofensiva y amenazó con presentar su candidatura a la presidencia estadounidense: "Seamos honestos, ¿de veras podría yo cometer más pendejadas que George Bush (padre)?". La campaña electoral seguramente hubiera sido muy entretenida, pero no hubo oportunidad. En 1989 a Frank se le diagnosticó un cáncer de próstata. La enfermedad ya estaba avanzada y los doctores no le dieron esperanzas.
Así, intensificó su trabajo en el estudio, preparó varios álbumes, puso en orden sus asuntos personales y pasó sus derechos de sus composiciones al Zappa Family Trust. Era muy fuerte su voluntad para seguir. Trabajar 12 horas, editar cintas viejas y componer nuevo material en el Synclavier fue hasta el final el objetivo declarado de cada día.

La experiencia musical culminante de sus últimos años fue para Zappa la colaboración con el Ensamble Modern de Frankfurt. El excelente cd "The Yellow Shark" probablemente no será el único documento de dicha cooperación.
En julio de 1993, Zappa produjo en Los Angeles un álbum, para su disquera Barking Pumpkin, en el cual, el ensamble interpreta las obras para orquesta más importantes de Edgar Varèse, entre ellas "Ionisation", la pieza que en algún momento despertó en Zappa el deseo de ser compositor y que lo acompañó durante toda la vida. Aportó a esta última sesión todos los conocimientos adquiridos en 3 décadas de trabajo, a fin de crear el marco óptimo para las tonalidades sonoras de esa música que tan bien conocía y registrarlas con la técnica digital de 48 tracks. Murió el 4 de diciembre de 1993, en Los
Angeles.

Su música construyó puentes para escapar del carácter insular y la banalidad del Pop. Seguir su trayectoria permite descubrir mundos musicales fascinantes. La pasión de Zappa por lo que llamó "La Música Verdadera" fue lo más cercano a una convicción espiritual por parte de un hombre tan escéptico.
<>.

Información no es igual a conocimiento.
Conocimiento no es igual a sabiduría.
Sabiduría no es igual a verdad.
Verdad no es igual a belleza.
Belleza no es igual a amor.
Amor no es igual a música.
"La Música es lo Máximo".

[FRANK ZAPPA].

Así es mi querido Frank porque: Un día sin Música es un día Perdido.

Joe Rocker

FELIZ CUMPLEAÑOS RINGO !!

FELIZ CUMPLEAÑOS RINGO !!

DIEZ de los 200 MOTELES

DIEZ de los 200 MOTELES
Diez Moteles en los cuales metimos las narices.
Eran 200 los de Frank Zappa pero no pudimos visitarlos todos por cuestiones de tiempo

Carlos Zerpa

1- En el primer Motel, los lavamanos de un verde agua, tenían dos llaves como todos los lavamanos, una para el agua fría y otra para la caliente, pero en este baño de Motel, una llave tenía escrita la palabra “HOT” y la otra “RATS”. Supimos que quién lo regentaba era “El Capitán Corazón de Bistec” y que a él a media noche junto a sus carnales “El Pachuco Cadaver” y “Willie the Pimp” cantaban a grito herido no dejando dormir a nadie. “Standin' onna porch of the Lido Motel. Floozies in the lobby love the way I sell: HOT MEAT, HOT RATS, HOT ZITS, HOT CHEST, HOT RITZ, HOT ROOTS, HOT SOOTS.”

2- El segundo Motel tiene todo el piso lleno de sandías abiertas, tomates aplastados y zanahorias desparramadas, de un rojo impresionante… Los Mothers vestidos de señoras nos invitan a entrar gentilmente, también aparecen por las puertas de las recámaras: nosferatus, monstruos, momias, vampiros, engendros del mal, Jimi Hendrix (en vivo) Nostradamus y seres bizarros en un paisaje tenebroso de tormentas eléctricas que se divisa por la ventana principal. Cuando le preguntamos a los dueños del lugar (vestidos de señoras) ¿de qué se trataba todo esto?, ellos respondieron: “We're Only In It For The Money”.

3- En el tercer Motel justo al entrar, en una sala toda pintada de amarillo Nápoles, nos encontramos con un gran sofá de cuero rojo, majestuoso. Ese sofá rojo que prácticamente vuela, va acompañado en una insólita galaxia de planetas, estrella y asteroides… Sobre el muro en una leyenda escrita con una tipografía casi gótica nos alerta: “Diván, diván… Wisst du wer ich bin…” Una mano izquierda refinada, con el dedo meñique alzado pinta una nebulosa con un pincel lengua de gato, otra mano sostiene o coloca en el firmamento una luna que es cuarto creciente, otra mano con el dedo índice, hace girar rápidamente a un planeta que me recuerda a Saturno con su anillo; otra mano en un primerísimo primer plano, con un pequeño tatuaje de una cruz radiante, una cruz con tres líneas que representan: al padre, al hijo y al espíritu santo, llamada "Pachuco Cross"… Mano que sostiene un Habano humeante, hace ver que es la diestra del mismísimo creador. “One Size Fits All” o que es lo mismo para nosotros como un “Talla Única”. Nada que ver este “SOFÁ” con los Simpson o más bien todo que ver del genial Matt Groening con Zappa, porque Matt afirma que: “Frank es mi Elvis”. En la pared de la derecha está colgado un “Yellow Shark” realizado en madera tallada, suerte de tiburón amarillo, que en realidad es un pez espada yellow con una mancha roja, de sangre en la boca. El propietario del Motel está enfadado pues las toallas misteriosamente pasan de las habitaciones a las maletas de los músicos. Levemente pudimos escuchar que de uno de los cuartos salía el sonido de un viejo rock'n'roll. ¿Johnny “Guitar” Jakson?.

4- En el cuarto Motel nos percatamos que la mesa de banquete sobre el mantel tiene ya las servilletas de tela de color negro dispuestas y el plato principal del Menú era “Tuna Sandwichees”. Otras comidas engalanaban la mesa: Panquecas de la “Electric Aunt Jemima”, ricas salchichas, las “Iron Sausage”, muchos Muffins, puré de “Potato Headed Bobby”, pescados de “Thing Fish” y la espectacular “Suzy Creamcheese” diciendo muy coqueta "Are Hung Up???" mientras se limpiaba su boquita con una "Black Napkins"

5- En el quinto Motel, el que nos abrió la puerta fue un enano muy parecido a Ringo el de los Beatles, pero con bigote y perilla a lo FZ ¿era Ringo o era Zappa?. Luego “The Mothers” comenzaron a tocar "Mystery Roach Motel" y al encender todas las luces cual si fuese un set de filmación, entendimos de que se trataba. Una jirafa de peluche perforada con una manguera y un difusor industrial de nata batida se encendió y reventó su culo, un amigo se acercó detrás de ella y apretó el botón y de inmediato teníamos esa cosa cagando nata batida por todo el vestíbulo, nos dimos cuenta que ellos estaban continuando las olvidadas tradiciones de las experiencias Da Da del gran Tristan Tzara… “Cuanto más absurdo, más nos gusta”…

6- En el sexto Motel quien abre la puertas es un científico loco de lentes de aumento gruesos cual lupas el cual se mueve en medio de gramófonos, herramientas, carátulas de discos de vinilo (Uncle Meat), libros, revistas, frascos repletos de tuercas, cajas llenas de mil cachivaches, un gramófono que suena un vinilo negro con aquello de: “Where did they go when did they come from”. Estantes en donde también hay un papiro con jeroglíficos egipcios, un libro de cocina etrusca, un mapa vial de Delaware de la Esso, un dibujo-diagrama de una ametralladora que en vez de tener cañón, tiene una pierna de muñequita de plástico que solo sirve cual vibrador, para masturbar jirafas, je, je, je… Justo en esa biblioteca hay una maceta hecha de una vieja lata en donde en tierra abonada, crece una planta de hojas alargadas, que en vez de frutos da ojos, según el Shenkel, una “Ecu dama puckered rictus”…. De seis ojos, que miran en todas direcciones, son ojos como pelotas de ping pong con sus iris de color azul.

7- En el séptimo Motel hay dos vacas al entrar, más bien parece un establo, todas sus paredes están recubiertas de cuero, de “Leather”…Una de ellas era la vaca con la que salió Zappa en la película de los Monkees, la otra vaca tenía una mancha en forma del mapa de Italia. Al fondo se escucha un sonido aterrador que no era el conocido muuuuu de las vacas. Al asomarnos nos dimos cuenta que era el rinoceronte Rihno de FOO-EEE, con su pinza de ropa en la nariz. El dueño del lugar aparece con una mopa y la cara pintada de negro, él nos aclara que ese lugar no es un establo si no un Motel Garage, el JOE'S GARAGE MOTEL At the Gas Station.

8- El octavo Motel parece un iglú, las paredes hechas con bloques de hielo y el piso con una gruesa capa de hielo molido, de verdad hace frio adentro, al entran nos ofrecen “Raspados” de hielo color amarillo, conos con nieve amarilla, paseándose por el lugar hay un huskie-weewee, un pingüino en bondage, un pingüino de plástico que como una bala atraviesa un aro de fuego y una foquita baby-seal que nos dice al oído, que casi nos susurra: “Don’t eat the yellow snow”.

9- En el noveno Motel en medio de la sala tienen un piano de cola color negro, de ser blanco el piano pensaríamos que era el de Lennon para tocar y cantar “Imagine”, pero no, este es negro, vemos también con sorpresa como por la ventana se asoma el gorila King Kong mientras un violinista muy parecido a Jean Luc Ponty aparece tocando y el gran simio sonríe. Los músicos con caras de perros de Rubén & The Jets hacen aparición junto con un enorme poodle teñido de rosado, “Evelyn, A Modified Dog”. Evelin, ese perro que no era perro sino más bien una puercoespín hembra se afeita la barba con la comadreja-afeitadora de “Weasels Ripped My Flesh”, mientras King Kong solo dice Arf ,Arf. Tan solo faltaba que el piso estuviese todo recubierto de corn flakes, pero esto solamente se daría si el piano fuese blanco.

10- El décimo Motel (Último en esta visita dominguera) es todo una caja de sorpresas, al entrar nos reciben con el grito: Hi ho Silver! . En la pared principal podemos ver un letrero pintado con carbón que dice: “Who Are The Brain Police?”. La señora que nos abre la puerta nos habla en alemán pero al ver que no le entendemos nada, nos aclara que el alemán es un idioma importante, porque es el que utiliza Dios para hacer negocios. Su esposo es una especie de Gurú con una bola de cristal que al vernos pretende vendernos su “Cosmik Debris”. Nos damos cuenta que la “Torture Never Stop” en este lugar, el cual está recubierto todo, completamente todo, muebles, paredes y objetos de plastilina, al ver con detenimiento al Gurú nos damos cuenta que era Bruce Bickford. Repentinamente se abre una puerta y aparece un hombre enloquecido gritando: ¡Hola, chicos y chicas, soy Jimmy Carl Black, soy el indio del grupo!.

Gracias a Dios que Zappa nos garantizaba que visitar estos 200 Moteles NO provocarían condenación eterna en aquel lugar regentado por un tipo con Cuernos y Tridente… PERO CASI.

Mira el Zappa que me han regalado

The Hijos of Frank Zappa y los Brothers de la liZta

foto Rocco Noccela

TRES AUTÓGRAFOS

¿ZAPPA PLAY ZAPPA IN MÉXICO?

¿ZAPPA PLAY ZAPPA IN MÉXICO?
por Sebastián Molinero

Cuando Dweezil Zappa cuenta el setlist del concierto Zappa play Zappa en Mèxico.

Setlist:

1 Purple Lagoon
2 Stinkfoot
3 Inca Roads - Chris solo, DZ solo
4 Daddy Daddy Daddy - SEGUE
5 Lonely Little Girl -SEGUE
6 City Of Tiny Lights
7 Blessed Relief - Billy Solo
8 Mystery Roach - SEGUE
9 Florentine Pogen - SEGUE
10 Advance Romance - Jamie Slide Solo, Ben Harmonica
11 The Little House I Used To Live In - SEGUE
12 Latex Solar Beef -Willie to Drum SOLO to
13 Apostrophe - Pete Solo
14 The Blue Light
15 Pick Me I'm Clean
16 Big Swifty - Billy Solo, Jamie Solo, Scheila Solo
17 Keep It Greasey
18 Eat That Question - Chris Solo, Scheila Solo
19 Easy Meat - END Of Show

Encore:

20 Yellow Snow
21 Peaches En Regalia
22 Cosmik Debris - DZ Solo - End of show


Por lo que se ve mantienen una buena base de temas de la gira de dos años atrás, más o menos un 40%, no?

Que no sé la trascendencia de este hecho, pero bueno, se me ha pasado por la cabeza. Me gusta mucho más el enlace de Material que el de Kurt, lo que no significa que este último sea un acha, pero le falta la h, imprescindible.
Pues hombre, qué te voy a decir. La trascendencia del hecho nunca depende del hecho en sí. Por ejemplo, un holocausto nuclear no tendría trascendencia alguna ya que ningún ser humano sobreviviría a él, y no parece razonable pensar que las ratas o las cucarachas de nueva generación (las que han aniquilado a la coqueta cucaracha negra) lo llegaran a documentar. Esto es la teoría de la trascendencia del holocausto nuclear. Pero en realidad sí que tendría trascendencia, ya que junto a ratas y cucarachas aladas sobrevivirían un puñado de homínidos evolucionados y algún gato, perro, periquito, canario y tal vez hurón, resguardados en refugios. La hermandad natural de destino tendría lugar; ratas, cucarachas aladas y los elegidos.

No estoy del todo de acuerdo contigo. Es muy fácil hacer populismo de rebelde sin causa cuando lo que eres es una simple causa sin rebeldía. Eres simple azar y tu supuesta rebeldía puede desaparecer por el mismo azar genético que la impulsa. Un pelotazo en la cabeza, un par de capilares rotos en el lugar adecuado y te conviertes en el más reaccionario del planea, pajillero de los refugios antiatómicos y defensor de la aniquilación de la mezquindad. Te recuerdo que tras el holocausto todo volvería a la normalidad, o bien el Dios Creador regenera el destino o bien éste se autoconstruye en cuestión de un puñado de millones de años. Algo irrelevante en la temporalidad del Universo. Mamón.


No me toquéis las pelotas, sólo estaba divagando respecto a un dato sin importancia. Qué me importa si tocan un 40% o un 39% del repertorio de hace tres años. Mucho delirar sobre lo humano y lo divino y a la hora de la verdad ¿qué hay de interesante en lo que decís?
Hubo un negro en Orleans en 1916 que hizo lo que vosotros decís, pero con una guitarra de tres cuerdas. Se suicidó con la cuarta. Y dentro de poco los degollados de la historia saldrán y os darán vuestro merecido. ¿Qué creeis que son si no los dj's? La reencarnación de todos los degollados, la degolladura hecha carna, zombis postmodernos que atacán a la parte más débil, vuestros hijos. Cuando todos humanos movamos la cabeza al ritmo del tecno-harcore al amanecer se creará un efecto concatenado de pequeños vórtices espaciotemporales que paralizarán el avance del espaciotiempo en nuestro espaciotiempo creando un vacío gravitatorio del que sólo los degollaos del tecno hard-core podrán escapar a toda pastillá hacia arriba, p'allá hacia la estratosfera.
Y mientros esto está a la vuelta de la esquina vosotros, clinisguds de la existencia, os preocupáis por el holocausto nuclear. Holocausto neuronal, hacedme caso.


Ya está, ya salió el fagocitador de la entropía. Maldito pene erecto del 69. Te crees que cualquier tiempo pasado fue mejor simplemente porque no lo viviste o no lo recueras. Apechuga con la oruga de tu cerebro y no te escudes en su constante degullición de masa neuronal del recuerdo para buscar evasivas. Lo único cierto es que has dado importancia a un dato, el 40%, de un repertorio tocado por el hijo de un muerto que trata de resucitar, o peor aún, reencarnar, a alguien con quien comparte la misma base genética que el resto de mortales. Eso está bien, el techno harcore está mal. Tú decides las fronteras de la dignidad desde el prejuicio de lo digno. Tu dignidad se la lleva el viento como el recuerdo se lleva la esencia de las cosas. Hablas por no callar. Habas por no callar, como diría un castizo a régimen. El único holocausto neuronal que conozco es el que sufrieron los hijos de la revolución de las flores. Tan naturales, ellos han
elevado a la categoría de única verdad el sucedáneo.

Que yo recuerde estabamos hablando de Zappa.

No, no, perdona, aquí nadie está hablando de Zappa.
¿Quieres que te recuerde que aquí nadie habla de Zappa? ¿Quieres que te recuerde que aquí nadie está hablando, que llevas una hora tricotando teclas y nadie dice nada. Te preguntarás quién soy yo, o el otro mamón que me ataca con la parafernalia del dj. Soytu, tuotroyó y te preguntarás quien es el otro al que llamo mamon que me ataca con la parafernalia del dj, pues él es tuotroyodelateridad, lo mismo que yo para él, que también soy tuotroyodelalteridad, pero entre nosotros nos respetamos y nos tratamos como suotroyodelalteridad. El respeto que nos tenemos es lo único que nos diferencia de ti, que despreciándonos a ambos tratas de trascender como una convergencia casual de dos distancias equidistantes en el vacío de tu cerebro. Intentas compensarnos -según tu lógica social, cuando en realidad tratas de negarnos- con el principio de la equidad y relativizas la importancia del 40%. A nosotros, y ahora hablo por ambos, no nos importa el
porcentaje, nos importa la veracidad de tu indagación. Relativizar el porcentaje es prender fuego y tirar cal sobre nuestra propia dignidad. No te importa el porcentaje, ¿qué te importa, entonces?
La vida es simple estadística, la lógica matemática mucho más las leyes físicas son en esencia la imagen de esta estadística. Es un intento por poner coto al azar y tratar de vestir con un traje de noche llamado predicción el desnudo grotesco de la impotencia intelectual, también llamada soledad vital. Cualquier ruptura del orden natural supone una negación de la ciencia exacta y rompe la estadística. Ninguna ciencia tal y como hoy la entendemos puede ir más allá del presente, el futuro es pura estadística que, si se cumple, verifica nuestro modo de construir la imagen del mundo natural. Lo que en el sucede y que llamamos vida natural, entre la que te encuentras tú, trata de racionalizarse en base a la misma lógica, pero día a día la realidad la desmiente. El único principio inalterable es que todo llega a su fin, cómo lo hace es otra cosa, la ciencia lo explica porque la estadística lo ratifica, de lo contrario sería
inexplicable.
Inexplicable es por qué tuotroyodelalteridad no me ha callado la boca de una magna leche.

Pues saben que les digo a ustedesdelalteridad? Que les aste un buey. Que aquí también falta la h, y en este caso no es imprescindible sino necesario, para beneficio de vuestros anales.

Pues porque estoy tumbado en una hamaca mirando las estrellas y escuchando grillos cantar, o escorpiones, cuyo canto es difícil de diferenciar, si es que realmente cantan y no es una leyenda de la reserva indígena del mundo rural que trata de protegerse de la reserva patógena del mundo urbano con leyendas de escorpiones que cantan a la luz de la luna, que de lo contrario te partiría la cara.
Estoy tumbado y no le digo suotroyodelalteridad lo que hago y dejo que me hagan porque vendría a este otro lado del hemisferio cerebral del mamón del 40% y me tocaría compartir. Cosa que no me apetece en absoluto, pues ya que sueño en compañía prefiero evitar la equidad de géneros.
Por lo demás, voy a provocar un cortocircuito y que el engendro este se vaya a dormir ya de una vez, que buena falta le hace.

Zappa Greasy Love Songs

Zappa Greasy Love Songs
Por Javi NtmeC


Cuando Zappa empezó a re-editar su catálogo completo allá por mediados de los ochenta, los Old Masters y tal, consideró que a un par de sus álbumes les hacía falta un cambio para adaptarlos al público del momento; de este modo el maestro grabó nuevas pistas de bajo y batería para We´re Only In It For The Money y Cruising For Ruben & The Jets, cambiando sustancialmente el sonido de ambos trabajos y dejando a los viejos fans no muy contentos. Lumpy Gravy corrió la misma suerte, pero le convencieron para que se lo pensara mejor y no editó la nueva mezcla (finalmente apareció en el segundo cedé de The Lumpy Money Project/Object).

En el caso del Cruising el enfado fue mayor, pues la sección rítmica presente en la edición original era particularísima y genial y había sido sustituida por un bajo y una batería electrónica muy de la época (a cargo de Arthur Barrow y Chad Wackeman); sin desmerecer por supuesto el trabajo de los músicos, se había convertido en otro disco totalmente distinto. En 1995 se vuelven a re-editar los discos de Zappa, y si bien We´re Only In It For The Money recuperó la mezcla original del vinilo no fue el caso de Cruising, que se quedó con la remezcla de los ochenta, para nuevo desencanto de los fans del sonido original. Lo más jodido de las re-ediciones de Cruising With Ruben & The Jets no es que los cedés tuvieran la nueva mezcla ochentera, ¡es que los elepés nuevos también la tenían! Y encima no advertía de nada en el libreto ni pollas en vinagre. Vamos, que el que se comprase el vinilo re-editado porque en su día no pudiera hacerse con el original y escuchara la sección rítmica nueva se sorprendería bastante. Yo tuve la grandísima suerte de encontrármelo por casualidad en Ebay y a un precio decente, y créanme que lo guardo como la joya de mi modestísima colección.


Quince años más han tenido que pasar para que la familia Zappa se decida por fin a editar en cedé la mezcla original del 67 de Cruising With Ruben & The Jets, siendo este disco el grueso de Greasy Love Songs. Se completa con mezclas o versiones alternativas de 6 temas del álbum original, más dos pistas extra con extractos de entrevistas, lecturas de textos... de Zappa.
Podían haber editado la mezcla antigua en cedé hace muchísimo tiempo porque estaba disponible desde siempre, pero así son las cosas. El concierto de Roxy & Elsewhere en video también anda por ahí desde hace eones, y siempre pasa algo con él: que si la mezcla final
está costando más trabajo del esperado, que si hay problemas...en fin, las cosas de palacio van despacio.





Paso a detallar a continuación el material extra de Greasy Love Songs con las notas junto a cada tema extraídas del libreto del cedé:

- Jelly Roll Gum Drop. Alternative Mix-Mono.

Curioso; en un punto del tema suenan por un segundo unas voces chillonas en primer plano made in Zappa que diría yo no aparecen en la mezcla de Cruisin original.

- No, No, No. Long Version.

Pues eso, tema alargado. Qué juego de voces tiene este tema, la Virgen...

- Stuff Up The Cracks. Alternate Mix. Recorded At Mayfair Studios, 24 July 1967 during the WOIIFTM Sessions - Evidence suggests this mix was likely done at the same time. Players: FZ-Guitar & Vocals, Ray Collins-Lead Vocals, Roy Estrada-Bass & Vocals, JCB-Drums, Ian Underwood or Don Preston-Piano.

Otro temita alargado, que es una delicia supina. Solo de saxo, voces otra vez genialísimas (como en todo el disco en realidad), y final con guitarreos de Zappa (!!!) junto al piano y la base rítmica estrambótica. Joyaza instantánea.

- Serious Fan Mail. Segments/Excerpts: FZ Lecture with Q & A at The New School, NYC, 21 Feb, 1969 / Interview at WMEX with Warren Duffy, Boston, 31 Jan 1969. Segment Collaged by the Vaultmeister at UMRK, 2008.

Como acaban de leer, collage de declaraciones de Zappa acerca de "Cruising With Ruben & The Jets, básicamente explicando de qué iba aquel disco, si realmente iban en serio grabando un disco de r&b y de cómo la gente que no supo en su momento que realmente eran los Mothers y no Ruben & The Jets flipó pepinillos con el álbum. Por lo que he podido entender en la escucha superficial, el single que sacaron del disco, Deserie, fue todo un éxito, y a una estación de radio de Philadelphia que puso mucho el disco le llegaron cartas de fans de Ruben & The Jets diciendo que eran el mejor grupo de r&b desde Danny And The Juniors. De ahí al título del tema.

- Valerie. (C. Lewis/B. Robinson, BMI). Mono mix. Mayfair Studios, 21 July 1967. This alternate version was recorded during the "Money" Sessions, precedes BWS and frequently played at the Garrick! Repertoire!!! Engineer-Gary Kellgren, Players: FZ-Lead Vocals, Guitar, Roy Estrada-Bass, Ian Underwood-Piano, Motorhead Sherwood-Baritone Sax, JCB-Trumpet, Billy Mundi-Drums, M.O.I.-Background Vocals.

Como ven, versión de la versión anterior a la de Burnt Weeny Sandwich. Empieza muy parecida a ésta, si exceptuamos el par de notas y el saxo tímido de fondo de la "mini-intro"; pero pasa el primer minuto y Zappa se empieza a emocionar cada vez más. Para el 1:45 hace como que llora en el micro (jamás escuché a Zappa en este plan), y en el 1:53...¿coñoseso? ¿Ese ruído lo hace la trompeta, el saxo o qué cojones? Una especie de chillido que acompaña el "llanto" de Zappa, y que se repite al final, junto a los últimos sollozos desesperados del bigotudo. Bizarro de pelotas el temita, pero fantástico.

- Jelly Roll Gum Drop (Single Version). Released as B-side to "Deseri", December 1968.

Pelín diferente de la mezcla original en Cruising, sobre todo al final del tema.

- Secret Greasing. FZ delivers THE STORY OF RUBEN & THE JETS, Xenochronous with Big Jay McNeely´s "Benson´s Groove" Live on KPPC in Pasadena with Les Carter, 27 Nov, 1968. Beat Booten by Joe Travers.

Audio de un anuncio que por lo que he podido entender no fue emitido jamás por violar todas las normas del comisionado de yo que sé. Cuenta la historia de los Ruben en boquita de Zappa, todo muy en plan "ponte gomina, tu traje nuevo y vamos al baile a pelearnos con otros grupos".

- Love Of My Life. From FZ´s 1977 2 tk "Cuca Impossible Recordings" compilation in a Record Plant box, 1/4 inch and 10 inch reel format, carefully labeled in FZ´s hand- CAREFUL! OLD TAPE. Check Azimuth for Each Cut- An FZ-typed sheet indicates Ray Collins & Mary Gonzales. Suspicious minds might conclude that FZ plays everything and it might be that there was possible lurkage by Paul Buff. Original recording circa ´62-´64, Cucamonga (Studio Z!)

Versión primigenísima de la canción. Sonido antiguo, la batería es particularmente curiosa por simple y por sonido, y se nota que no hay mucho retoque en estudio. Quizá lo más reseñable es el "duelo" de voces masculinas y femeninas.

El setlist del concierto Zappa play Zappa en México

Dweezil Zappa os cuenta

el setlist del concierto

Zappa play Zappa en México:

Por Javier

Setlist:

1 Purple Lagoon

2 Stinkfoot

3 Inca Roads - Chris solo, DZ solo

4 Daddy Daddy Daddy - SEGUE

5 Lonely Little Girl -SEGUE

6 City Of Tiny Lights

7 Blessed Relief - Billy Solo

8 Mystery Roach - SEGUE

9 Florentine Pogen - SEGUE

10 Advance Romance - Jamie Slide Solo, Ben Harmonica

11 The Little House I Used To Live In – SEGUE

12 Latex Solar Beef -Willie to Drum SOLO to

13 Apostrophe - Pete Solo

14 The Blue Light

15 Pick Me I'm Clean

16 Big Swifty - Billy Solo, Jamie Solo, Scheila Solo

17 Keep It Greasey

18 Eat That Question - Chris Solo, Scheila Solo

19 Easy Meat - END Of Show 20 Yellow Snow

21 Peaches En Regalia

22 Cosmik Debris - DZ Solo

End of show

http://www.dweezilzappaworld.com/events/47-teatro-de-la-ciudad

Dweezil firmando autógrafos

Carlos Zerpa y Angel Mollo

Firma de Dweezil en la portada CD homenaje a Frank Zappa

Frank Zappa

Frank Zappa
Greasy Love Songs (2010) {Zappa Records}

EAC rip (secure mode) FLAC+CUE+LOG -> 402 Mb MP3 @320 -> 149 Mb
Full Artwork @ 300 dpi (jpg) -> 17 Mb (web)
© 2010 Zappa Records / ZFT ZR 20010
Rock / Experimental Rock / Doo Wop


The Mothers of Invention per Frank Zappa's original liner notes on Cruising With Ruben & The Jets:
Ray Collins: lead vocals
Frank Zappa: low grumbles, oo-wah & lead guitar
Roy Estrada: high weazlings, dwaedy-doop & electric bass
Jimmy Carl Black and/or Arthur Dyer Tripp III: lewd pulsating rhythm
Ian Underwood or Don Preston: redundant piano triplets
Motorhead Sherwood: baritone sax & tambourine
Bunk Gardner & Ian Underwood: tenor & alto saxes


tracklist:

01. Cheap Thrills (Original Mix)

02. Love Of My Life (Original Mix)

03. How Could I Be Such A Fool (Original Mix)

04. Deseri (Original Mix)

05. I'm Not Satisfied (Original Mix)

06. Jell Roll Gum Drop (Original Mix)

07. Anything (Original Mix)

08. Later That Night (Original Mix)

09. You Didn't Try To Call Me (Original Mix)

10. Fountain Of Love (Original Mix)

11. No. No. No. (Original Mix)

12. Anyway The Wind Blows (Original Mix)

13. Stuff Up The Cracks (Original Mix)

14. Jell Roll Gum Drop (Alternate Mix)

15. No. No. No. (Alternate Mix)

16. Stuff Up The Cracks (Alternate Mix)

17. Serious Fan Mail (Dialogue)

18. Valerie (Alternate Early Version)

19. Jelly Roll Gum Drop (Single Mix)

20. Secret Greasing (Dialogue)

GREASY LOVE SONGS

Acabo de volver de vacaciones y esta mañana me lo han dejado en el
buzón...a parte de cambiar de proveedor de telefónica e internet ahora
mismo que se ha ido el técnico...

Plateado y molón diseño del cd, trasera del Nash del 53, interiores
también plateados con la original portada de Carl Shenkel y fotos
psicodélicas, libreto en b/n incluido de cómo debes peinarte el pelo
onda gomina y rulos y en contraportada cómo debes bailar el beat el
bop de Ruben & the Jets, 21 temas, fotos de los Mothers
caracterizados bop, intro de Cheech Marin
( curioso el encuentro y audición para FZ),detalles técnicos de esta
edición, comentario de GZ, letras en inglés y la historia de Ruben &
The Jets, a parte foto tipo carnet de FZ y detrás con las notas
originales del ´68 de los componentes e instrumentos.

El sobre que guarda el cd es imitación a cartón arrugado donde aparece
como si fuese un single:
NO¡ NO¡ NO¡
Long Version
LaMarr & The Finetones
Time:3:10

Y la otra cara:


NO¡ NO¡ NO¡
(LaMarr Brewster)
Pub. SANO BMI


LaMarr & The Finetones
Time: 2:25
En el cd a modo de dibujo animado imitando a la galleta ( azul) de un
disco de vinilo,aparece escrito :


Finetone ( en color rosa)
Real Sharp Records
Greasy Love Songs
Frank Zappa
ZR20010


Saludos,
Javier.

ZAPPA LA ENTREVISTA EN EL ROLLING STONE
Escrito por Arroyero en su blog
http://www.arroyero.es/

En 1988 el periodista y comentarista de la MTV Kurt Loder entrevistó de forma bastante extensa a Frank Zappa para la revista Rolling Stone. La entrevista también apareció publicada dentro de su libro Bat Chain Puller: Rock and Roll in the Age of Celebrity (2002). Como no he encontrado traducción al español (y si la hay he perdido el tiempo de forma lamentable) me he puesto manos a la obra y os ofrezco dicha entrevista. Espero que la disfrutéis.

Frank Zappa es un hombre muy inteligente y divertido que podría perfectamente hacer carrera como comediante de monólogos, si así lo deseara. Pero en su lugar Zappa ha elegido conducir sus inclinaciones musicales en un área de sofisticación musical que prácticamente elimina cualquier posibilidad de colocar un single en el top ten en un futuro próximo. De manera que, ¿Acaso ha dejado, vuelto, o reunido a los Mothers of Invention para una gira conmemorativa de sus 25 años? Ni hablar. Zappa gestiona su propia compañía discográfica en la actualidad, con la que alimenta a sus fervorosos admiradores. También escribe comentarios económicos en la red del Financial News y es recibido en audiencia por el Presidente de Checoslovaquia – una tierra recién liberada en la que, según cuentan, está intentando instalar una franquicia de Helados Ben & Jerry. Un músico autodidacta y teórico social, Zappa hizo discos muy complicados con los Mothers of Invention allá en los sesenta (incluyendo el primer álbum “conceptual”, Freak Out!, que se adelantó por dos años al Sgt. Pepper de los Beatles). Además de su afición por el doo-wop de los cincuenta y por el R&B, tiene muy poco interés por el pop adolescente comercial, y si eso le impide conseguir alguna vez un megahit en las listas de éxitos, pues que así sea. Ya encontrará otras cosas que hacer, como fustigar a las pobres damas de la Parent´s Music Resource Center (la entidad que califica los discos), o recordar a la irresponsable industria musical la importancia de la Primera Enmienda. Los objetivos de su enfado rara vez encuentran motivos de risa en sus andanadas verbales, pero Zappa sigue siendo uno de los ingenios mas afilados del rock.

¿Eras un cómico ya desde niño?

Lo intentaba. Era raro, porque a los once años de edad ya tenía bigote, grandes espinillas, y pesaba casi 82 kilos. Descubrí que podía hacer reir a la gente cuando me obligaron a dar una pequeña charla en clase sobre las mujeres en la escuela. No se lo que les hizo reir, pero lo hicieron, así que pensé “De acuerdo, nada mal”, de manera que lo desarrollé en una especie de… No diré un número cómico.

¿Qué fue lo que te atrajo a la música a principios de los cincuenta?

La primera música que oi y que me gustó fue árabe. Pero no puedo imaginar dónde la oi, porque mis padres no tuvieron un reproductor hasta que tuve quince años. Cuando lo compraron, creo que el primer disco de R&B que conseguí fue “Riot in Cell Block #9”, de The Robins. Y poco después lei un artículo sobre Edgard Varese en la revista Look, y encontré su disco, y eso fue todo lo que tuve. Los Robins y Varese, y creo que también “Work with me, Annie” de Hank Ballard y los Midnighters.



¿Veias algún tipo de dicotomía entre los discos de Varese y los de R&B?

No, en absoluto. Lo veía como una teoría de campos totalmente unificada. Lo que mas me llamó la atención en el disco de Varese era lo directa que era la composición. Era como si aquí hubiera un tipo que escribe música disonante y no va jodiendo a los demás. Y aquí hay un grupo llamado Los Robins, y tampoco parece jodan al personal. Se lo estaban pasando bien. Desde luego Hank Ballard y los Midnighters sonaban como si se lo estuvieran pasando en grande. Y aunque armónicamente, rítmicamente y en otros muchos aspectos superficiales eran muy distintos, el alma básica de la música me parecía provenir de la misma fuente universal. Ya sabes, un tipo que tiene las agallas de levantarse y decir “Ésta es mi canción, o te gusta o te largas”.

Fuiste autodidacta a la hora de leer y componer música a muy temprana edad, pero imagino que no fuistes un estudiante modelo en el instituto.

Me expulsaban constantemente por diversos comportamientos antisociales. Mi padre estaba preocupado porque le retiraran el pase (NT: El padre de Zappa era peluquero en la base militar)

Uno de tus compañeros en la escuela era Don Van Vliet, que luego sería Captain Beefheart. ¿Cómo era entonces?

Conducía un Oldsmobile celeste con un hombre-lobo tallado a mano reemplazando el logo de la empresa en el centro del volante. Su padre era repartidor de pan para Helms. Don no pasó mucho tiempo en la escuela; la mayor parte del tiempo lo veía en su casa. Escuchábamos discos de R&B por las tardes, y por la noche lo mas excitante que se podía hacer en Lancaster era ir a Denny a tomar café “porque no había nada mas” – es decir, todo cerraba a las seis. Realmente horroroso. Asi que para poder ahorrar para ir a Denny Don tenía que conseguir acceder al interior del camión de su padre. La maquina de cambio estaba en el frontal, y el vehículo estaba cerrado a cal y canto, así que había que acceder por la parte trasera, apartando cajones lo suficiente para que su novia Laurie pudiera entrar a robar el cambio, y después sacarla tirando de ella por los tobillos. Así nos pagábamos la diversión.

A principios de los sesenta te mudaste a Cucamonga y empezastes a trabajar en un pequeño estudio de grabación. ¿Qué tal era el sitio?

Lo construyó un tipo llamado Paul Buff. Paul es un genio, un gran tipo. La mayoría de los sitios en aquellos tiempos estaban apartados si tenían una maquina de tres pistas. Paul se construyó una de cinco pistas para hacer overdubs. Construyó su estudio a partir de chatarra, usando los conocimientos que adquirió en los marines. Y el lugar era genial. “Wipeout” se grabó en ese estudio, en una sola sesión. Un hecho poco conocido. Me llevó Ronnie Williams, un músico con el que había tocado en algunos bares locales. En aquel tiempo, alrededor de 1961 o 1962, existían esas cosas llamadas “discos noveles”, ¿sabes? Como “Please, Mr. Custer”. La radio todavía tenía cierto sentido del humor. De manera que si conseguías hacer un “disco novel” había posibilidades de que una discográfica lo editara. Escribí uno, y junto con paul llevamos el máster a Capitol por un anticipo increible de 700 dólares. Era un engaño total, y el motivo era que el disco parecía que iba a ser increiblemente “caliente”. ¿sabes por qué? Se llamaba “The Big Surfer” e iba de un tipo, un DJ de San Bernardino llamado Brian Lord, que imitaba la voz de Kennedy mejor que él mismo. Era como el lanzamiento del primer disco de la Primera Familia (NT: se refiere al clan Kennedy), en el que Kennedy es juez de un concurso de surf. Y completamente producido, con efectos sonoros y todo, ok? Pues bien, la broma era que el ganador del concurso era premiado con un viaje con todos los gastos pagados como el primer miembro del Cuerpo de Paz mandado a Alabama. Pero poco después de firmar el contrato Medgar Evers fue asesinado y Capitol se negó a lanzar el disco (NT: Medgar Evars fue un activista de los derechos de los negros que fue asesinado por el Ku Klux Klan el 12/06/63 en Mississippi).

¿Esperabas que fuera tu gran oportunidad?

Bueno, quizás. Podía haberlo sido. Era un buen disco.

También escribistes la banda sonora de una película llamada “The World’s Greatest Sinner” en ese estudio de Cucamonga. ¿Qué tipo de película era?

Era una película producida, dirigida e interpretada por Timothy Carey… Escribí la banda sonora y el tema de rock & roll principal. La premisa del guión era: Un hombre se cree Dios, duda de si mismo, irrumpe en una iglesia, roba el pan de la comunión, lo pincha para comprobar si sangra o no. Lo hace, y se da cuenta entonces de que no es Dios. ¡Hablando de grandes guiones!

Por poco hicistes tu propia película en Cucamonga, con Don Van Vliet de protagonista. Pero después ocurrió el incidente “pornográfico”. ¿Qué fue exactamente lo que pasó?

Bueno, hay cosas de esa historia que aún no entiendo. Yo intentaba hacer una película de ciencia-ficción en un edificio de almacenes de Cucamonga, ¿De acuerdo?. Ya tenía el estudio de grabación, y tenía suficiente espacio atrás para construir decorados y filmar. Fui a una subasta a un sitio de Hollywood llamado F. K. Rocket Studios. Abandonaban el negocio y por $50 me traje una ranchera llena de decorados. Así que estaba listo para hacer la película, que se llamaría “Captain Beefheart vs the Grunt People”. También tenía entre todo el material que traje un cartel que ponía TV PICTURES – un bonito cartel rojo con letras doradas. Resulta que mi estudio se encontraba justo enfrente de una iglesia y a media manzana de una escuela de grmática para niños. En un pueblo en el que, si llevaba el pelo la mitad de largo que tú me considerarían una amenaza para la sociedad, y el código de vestimenta eran camisas blancas de mangas cortas, las camisetas eran señal de comportamiento extraño. Aquello era Cucamonga. Así que ahí estoy yo viviendo en el estudio, y conmigo vivían dos chicas blancas y un bebé negro.

¿Cómo es que…?

Es realmente complicado. No tenían dónde quedarse, sabes. Les estaba ayudando. Y para ganarme la vida – dado que no había una cola de grupos surf en la puerta esperando para grabar otro “Wipeout” – tocaba la guitarra los fines de semana en este cruce de Sun Village, cerca de Lancaster, a 120 Km de distancia. Me pagan siete dólares cada fin de semana. Era todo lo que podía conseguir. Y resulta que mientras estaba tocando las chicas salían a la calle con su bebé negro y se ponían a tocar. Lo cual ofendió a todo el mundo en este pueblo. Asi que lo siguiente que se es que aparece este tipo llamando a mi puerta, dice que es un vendedor de coches de ocasión, que ha visto el letrero, que va a hacer una fiesta y que si puedo hacer una película para él. Empieza a hablar de dinero. Yo le digo “No lo entiendes. Hacer una peli es caro. Te propongo que si queréis reiros deja que te haga una cinta de audio”. Acordamos un precio de $100. Pensé que podía salir algo realmente divertido. Lo que no sabía era que mientras hablábamos él transmitía nuestra conversación a un camión mediante un micrófono en su muñeca.

¿Un micrófono en la muñeca?

Si, era totalmente como Dick Tracy. Y mientras tenemos esta conversación va mencionando con términos médicos las actividades que deben aparecer en la cinta. Y, quiero decir, nunca había estado cerca de un policía en mi vida, y no tenía ni idea de que este tipo – Detective Willis creo – era una tapadera. Para mi era una maldita broma, ¿ok? Quiero decir, en el momento en que el hombre empezó a hablar de “cópula oral” debería haber dicho ¿¿Qué?? Pero no, no lo hice. Porque, recuerda, yo ganaba entonces siete dolares semanales en Sun Village. Así que se va y preparo el equipo de grabación, y una de las chicas y yo entramos en la habitación que usábamos como dormitorio. No había absolutamente nada de sexo en la cinta. Eran solo quejidos y gruñidos, ooh ahh, ooh ahh. Terminé el master de gruñidos. Tenía que cortar todas las risas de la grabación porque era absurdo, y añadí música de fondo para darle un toque mas profesional. No era mas extraño que la cuarta cara del Freak Out!. El tipo vuelve a la mañana siguiente, me da $50. Le digo “Acordamos $100. No hay trato”. La cinta nunca cambió de manos. De pronto la puerta salta por los aires, flashes por todas partes y esposas en las muñecas. Como en la Alemania Nazi. Arrasaron con todo lo que había por allí. Rollos de cinta que no tenían nada que ver con este tema, proyectores, todo. No tenía dinero, asi que tuve que declararme nolo contendere. Un fiscal de26 años del condado de San Bernardino se nego a dejarme salir bajo fianza, asi que me cayeron seis meses con sólo diez dias en suspenso, mas tres años a prueba. Y mientras espero sentado a que me recoja el autobus de la prisión de San Bernardino para llevarme, me visita el detective Willis y me dice: “Si nos ayudas a establecer qué otras cintas son obscenas te devolveré el resto, borradas”. Y le digo “No está en mis manos convertirte de policía en juez”.

Su suerte comenzó a cambiar en 1964, cuando se unió a los Soul Giants, la banda que se convertiría en los Mothers of Invention. ¿Cómo eran cuando llegó?

Eran bastante buenos. Yo ya sabía que Ray [Collins] cantaba bien porque habíamos grabado juntos, pero lo que me impresionó de los Soul Giants, siendo una banda amante del R&B, fue Jimmy Carl Black – El único batería que conozco que de hecho podía pasar por el de Jimmy Reed.

¿En serio?

Si. Piénselo: Un completo desprecio por la técnica, ¿Entiendes? Una total dedicación a hacer bum-bap, bum-bap. Un talento muy difícil de encontrar.

¿Así que convenció a esos chicos de que podía hacerles ricos?

No. Les dije: “Aprendamos mas material original e intentemos obtener un contrato discográfico”. Y el saxo, un tipo llamado Davy Coronado – era su grupo – va y dice “No puedes hacer eso. En el instante en que toques música original te echan de esos clubs”. Y tenía razón. Aprendimos a tocar cosas originales y nos echaron… una y otra vez… y otra…

Al final decidió firmar un contrato, y ha tenido uno desde entonces. ¿Cree que la industria musical ha cambiado mucho desde aquellos tiempos, para bien o para mal?

Sabe, no recuerdo un solo momento en el que la industria musical haya cambiado a mejor. Ni uno sólo. Veintitrés años al frente y no se me ocurre ni una sola cosa que sea mejor que cuando comencé. La cuestión es que es mas negocio que música. Ahora todas las decisiones musicales las toman contables y asesores de moda. Antiguamente tenían a estos tipos con puros saliendo de sus bocas – antes de las zonas de no-fumadores. Llegaba una nueva banda, y estos tipos con puros se encogían de hombros y decían “Cualquiera sabe…” y firmar un contrato era tan barato… Quiero decir, nuestra tarifa con la MGM para hacer Freak Out! Fue de $2500 – a repartir entre cuatro. Y tuvimos suerte de conseguirlo. Y la razón de conseguirlo fue que alguien dijo “¡Cualquiera sabe lo que les gusta a los chicos de hoy en día!”

Al parecer Tom Wilson, el joven productor que firmó el contrato de los Mothers si que sabía…

Tom Wilson era un tipo genial. Tenía una visión, ¿sabes? Y realmente nos apoyó. Cuando hicimos aquel primer álbum realmente se encontraba en un estado de “Cualquiera sabe” cuando hicimos el segundo tema. Recuerdo que lo primero que grabamos fue “Any Way The Wind Blows” y no estaba mal. Después hicimos “Who Are The Brain Police?” y le veía a través del cristal llamando inmediatamente a Nueva York diciendo ¡Cualquiera sabe! Tratando de vendérselo a ellos. Supongo que algunas cosas son difíciles de vender, a pesar de todo.

¿Qué hizo la MGM con Freak Out! Cuando estuvo terminado?

Bueno, se opusieron violentamente por varias razones. Por un lado, estaban convencidos de que ninguna estación de radio pondría jamás un disco de una banda llamada The Mothers (NT: Las Madres) y por Dios que tenían razón, pero no por los motivos que creían. De todas formas nos dijeron que o cambiábamos el nombre o no grabábamos, así que nos vimos obligados a cambiarlo por The Mothers of Invention.

¿Y qué tal fue el disco?

Según sus cifras, Freak Out! vendió quizás 30.000 discos en el momento de su lanzamiento, pero creo que se vendió mucho mas, porque esto fue durante la época de, como decirlo, “seguridad relajada” en la planta de producción. Era algo llamado “excedentes de producción”. La compañía pedía 15.000 discos, la planta producía los 15.000… y luego se mantenía funcionando otros 15.000. Y el segundo lote no aparecía en nuestras cuentas. Iban al maletero de algún coche mas allá de la frontera estatal y se cambiaban por habitaciones llenas de muebles o por favores o por cualquier otra cosa. Y nos lo hicieron a nosotros, y a… el mayor perdedor fue la banda sonora de Dr. Zhivago – Oí que un cuarto de millón de discos salieron por la puerta trasera. Piense en los royalties que perdió Maurice Jarre. MGM era una compañía “traviesa” en aquellos tiempos, pero después decían “¡Cualquiera sabe!”.

Los Mothers se convirtieron en el emblema “freak” de los escenarios angelinos. ¿Qué era eso, exactamente?

Realmente fue un fenómeno de corta duración. Porque para cuando hizo su aparición en los periódicos ya estaba muerto. Fue un éxito antropológico arrollador durante casi un año y medio antes de que se mencionara en la revista Time. Para cuando publicaron aquella primera foto – del tipo aquel llamado Buffalo Bob con pelo a lo Príncipe Valiente, ¿se acuerda? – la poli ya estaba persiguiendo a la gente por las calles. Cerraron todas y cada una de las salas donde una banda podía tocar.

De manera que decidió traerse The Mothers a Nueva York…

Creía que todas las posibilidades de interpretación eran posibles aquí. Aunque la interpretación como tal no existía. Aquí no había largas cabelleras. No había nada. De ahí viene la frase “Oh, my hair’s getting good in the back.” (NT: “Que bien sienta mi pelo en la espalda” del tema Who Needs The Peace Corps?). Se podía ver a los chicos llegando de Long Island con cintas en el pelo. Es una cita real de lo que escuché una vez.

Y fue consciente de que algo nuevo surgía?

Me lo imaginé. Pensé: Si puede ocurrir en Los Angeles, donde nadie va a pie ¿qué puede pasar en un sitio con vecindarios? Piénselo: Un potencial infinito. Así que lo montamos en el Garrick Theater, de la calle Bleecker, en cuatro paredes. Y pronto los Fugs montaron el suyo justo al lado, y sucedían muchas cosas, y era genial. [NT: Los Fugs son considerados por muchos el primer grupo underground de la escena neoyorquina, formados en 1964]

¿Cómo fueron recibidos los Mothers en Nueva York?

Nos estrenamos en las vacaciones de Semana Santa de 1967 con un frio de muerte. Nevaba. Pero tuvimos colas alrededor del edificio en los dos shows diarios. Pensamos: Oh, ahora si, lo hemos conseguido. Estamos en Nueva York con colas alrededor del bloque. En cuanto acabaron las vacaciones tuvimos a tres, quizás cinco personas como único auditorio. Aun así hacíamos nuestro show. Cuando el lugar estaba casi vacío haciamos uno mas personalizado. Supón que había tres personas sólo en el público. Nos íbamos al Café a Go-Go, nos poníamos toallas en los brazos como camareros, volvíamos y les servíamos sidra caliente y cosas así y nos sentábamos a hablar con ellos durante la duración del show. Ése era el espectáculo. En otras ocasiones, si había cinco o seis personas les entregábamos nuestros instrumentos. Nos sentábamos y dejábamos que ellos tocaran. Hacíamos cualquier cosa por el espectáculo, tal y como lo entendíamos entonces. Ése era el espíritu.

También grabásteis dos álbumes durante vuestra estancia en Nueva York: We’re Only For The Money y Cruisin’ with Ruben & The Jets – éste último un homenaje al Doo-wop y al R&B de su juventud. ¿Cómo respondió el resto de la banda a esta propuesta?

Bueno, a algunos les gustó la idea y a otros no. ¿Sabes? En cada una de las bandas en las que he estado ha habido genta amente del R&B y otros que se rascaban la cabeza porque no entendían ese rollo y por qué nos gustaba tanto. Por lo general los grandes musicos – aquellos con gran técnica – no saben nada del R&B. Carecen por completo de ese aspecto de su vida musical. No lo entienden. Cuando ocurrió estarían en alguna otra parte.

Siempre he pensado que “Ruben” contiene su música mas dulce, mas emotiva. ¿Por qué no ha hecho mas en esa línea?

Bueno, no estoy seguro de que hacer música “emotiva” sea una muestra de excelencia. Ëse ha sido una de las críticas mas frecuentes de los críticos de rock, porque todos parecen tener esa sensación de que cuanto mas emotiva es una música mejor es. Y mi sentido estético no va por ahí. Un poco de cada cosa, ¿sabes? Me gusta la excelencia en la música.

¿Es por ello que siempre se ha opuesto a que sus músicos tomen drogas? ¿Y por lo que siempre ha sido muy claro al hablar sobre el tema?

He fumado diez cigarrillos de marihuana en mi vida, y probablemente la última vez que tuve uno cerca de mi cara fue hace doce o quince años. Y la razón por lo que lo hice fue porque , dado que fumo, la gente me dirá “toma, fuma ésto y te colocarás”. Así que lo fumaba, me producía dolor de garganta y me daba sueño. Así que debía asumir que o bien éso era lo que la gente entendía por colocarse, o algo iba mal. Pero nunca he sacado nada positivo de fumar marihuana. Simplemente no era plato de mi gusto. Y nunca he tomado LSD, ni cocaina, ni heroína, ni nada de ese estilo.

¿Qué pensaba cuando, en los tiempos hippies, veía a la gente colocada y supuestamente entrando en trance con la música?

Básicamente, veía a gilipollas en movimiento.

Junto a los Mothers una vez compartió escenario con John Lennon y Yoko Ono en la grabación de lo que sería el disco “Some Time In New York City”. ¿Cómo surgió esa ocasión?

Era 1971, y estábamos tocando en el Fillmore East, y teníamos un camión de grabación allá afuera, porque estábamos grabando un disco. Y habíamos tocado hasta las tres de la mañana la noche anterior y a la tarde siguiente me despierta un golpe en la puerta. La abrí y era el tipo éste del Village Voice, con John Lennon a su lado, y me meten un micrófono en la cara como para grabar mi primer aliento. Les digo: pasad. Y lo primero que John me dice es “No eres tan feo como en las fotos” Se lo agradecí y les ofrecí asiento. Le comenté que estábamos en el Fillmore y que por qué no se pasaba una noche y se sentaba a verlo. Pensé que sería una buena idea para reirnos todos un rato. Dijo que si, y lo hicieron. Y ahora la parte horrible de la historia. Durante nuestra actuación algunas piezas eran improvisadas, pero otras eran temas perfectamente compuestas y que ya habían salido en otros discos. Por ejemplo, una composición mia llamada “King Kong”. El trato que hice con John y Yoko Ono era que ambos tendríamos acceso a las cintas y podríamos usarlas como quisiéramos. Ellos obtuvieron un duplicado del master original, y lo mezclaron a su forma. Yo tenía mi copia, e iba a mezclarla para usarla en éste álbum de los Mothers. Ellos sacaron el disco éste, tomaron “King Kong” – que obviamente tiene una melodía, un ritmo, y cambios de acordes – y lo llamaron “Jam Rag”, y se atribuyeron la autoría y derechos de publicación. Échale un vistazo al disco.

[N. del T. Mas información sobre esta historia en este artículo]

¿Y que hicistes?

Hablé con Yoko el año pasado y le dije “Por cierto, ¿recuerdas aquel Jam Rag?” Me dijo “¿Sabes? Hemos tenido un problema con Capitol Records. Les vamos a demandar”. No me imagino que ese disco vendiera mucho, la verdad. Es cuestión de principios, ¿sabes? La otra cuestión que fue triste fue que hay una canción titulada “Scumbag” pero por la forma que la mezclaron no se oye a Mark y a Howard cantando. Y hay una razón para ello. Lo que cantaban era “Now Yoko’s in the scumbag, we’re putting Yoko in a scumbag”. [N. del T.: Mark (Volman) y Howard (Kaylan) cantan “Yoko está en la bolsa de la basura. Hemos tirado a Yoko a la basura”]

Sin duda algunos críticos lo ven como parte de una tendencia a la obscenidad barata. Incluso hoy en dia, Vd. sigue pidiendo a las mujeres del auditorio su ropa interior, e incluso tiene una cuerda en el escenario llena de pantis. ¿Tiene algún tipo de fetichismo con los pantis o qué?

No por mi lado. Pero solíamos tener a dos tipos en la banda que lo eran. Era una forma de hacerles felices y hacer también felices a las chicas del auditorio. Creo además que queda bonito en el escenario. Pienso que una cuerda llena de panties le da cierto aroma. ¿sabes lo que quiero decir? Tenemos incluso un ayudante para bragas, el que se encarga del Synclavier. Es cierto. Y en lo que respecta a la obscenidad de las letras, una persona puede sentirse ofendida por ella solo si cree en la obscenidad como un concepto y cree en el concepto de las palabras sucias, y no es mi caso. Siempre parece haber molestado a los críticos de rock mas que a cualquier otra persona. Quiero decir, ¿Quién cojones son esos críticos, de todas formas?

Finalmente decidió disolver a los Mothers en 1977. ¿Por qué?

Bueno, si había algo por lo que fueran conocidos The Mothers – ese loco y disparatado descontrol de los sesenta – ya había desaparecido casi por completo de nuestros shows.

¿Y éso?

Porque a medida que consigues músicos capaces de hacer ciertas cosas musicales, te das cuenta de que a veces les falta sentido del humor. O carecen de esa estética particular que hace posible tomar un cepillo de dientes y un salami y una muñeca y una lechuga y un bote de mayonesa y hacer algo divertido con todo ello, sabes, no todo el mundo puede hacer eso.

Pero te has asentado. ¿Crees que el público actual viene principalmente a oir su nuevo material o a ver a una leyenda viviente de las fabulosos sesenta?

Mira, el público de esos conciertos es realmente fanático. Literalmente. Hay jóvenes con entradas a diecinueve shows. Han dejado el trabajo, viven en el parque, están totalmente involucrados. Eso no es ir a ver a una leyenda. Creo que toda esa historia de un resurgimiento del interés en todo lo relacionado con los sesenta está exagerado. Hay un gran factor de deseo de alguna gente de los sensnta que le gustaría que así fuera, pero a los jóvenes de hoy en dia les importa un comino los sesenta, y no hay motivo para que no fuera así. Hice una entrevista con un tipo de un periódico, y me dijo: ¿Qué piensa de la música actual? Le dije “Nosotros somos la música de hoy en dia. Lo somos. Te guste o no. “¿Qué quiere decir?” ¿Crees que lo que hacemos es algo imaginario? Estamos ahí afuera. Lo estamos haciendo. Está vivo.